Da questa sera si recita a soggetto!
Il metodo Pirandello
drammaturgia di Paolo Rossi e Carlo G. Gabardini
con gli attori Paolo Rossi, Emanuele Dell’Aquila, Alex Orciari, Caterina Gabanella, Laura Bussani, Alessandro Cassutti

L’opera di Cattelan
[Attenzione contiene spoiler]
L’inizio è complesso, traditore direi. La narrazione di partenza è intrigante. Due personaggi in una scena fatta di cartoni che raccontano di cosa narreranno coadiuvati dalla lettura di un libretto che contiene mail di scambio tra i due fratelli, personaggi principali dell’opera. Il tutto fa molto denuncia sindacale basata su fatti reali, ma è proprio così? In realtà il vero protagonista dell’opera è nascosto dietro uno dei grandi cartoni ma lo si capirà solo alla fine.
La rappresentazione procede snella con diversi ingegnosi colpi scenografici, i cartoni che nascondono personaggi, l’uso dei doppi microfoni, l’arredamento identico all’opera di Cattelan, l’esplosione improvvisa. Piano piano però la storia cambia binario, quella che sembrava una denuncia verso le condizioni di lavoro in una fantomatica azienda (innominata quanto inesistente anche se potrebbe essere una qualunque multinazionale) si trasforma in una più drammatica rappresentazione del difficile rapporto tra due fratelli e della loro madre chioccia. Per un tempo che pare non finire più il fratello maggiore rimprovera al minore di non avergli mai parlato dei suoi problemi. L’unico personaggio femminile rappresenta lo spirito materno, prima nei panni della manager poi in quello della “vera” madre.
Ad un certo punto però la narrazione si interrompe per prendere un ulteriore binario, quello finale. Il “vero” “finto” fratello, quello mobbizzato sul lavoro, quello che ha acconsentito che il fratello più grande facesse un pezzo teatrale sulla sua vicenda, cambia idea. Ritira il consenso e il protagonista a questo punto si trova a dover essere a sua volta in una situazione che lo porterà a dover rendere conto del suo lavoro incompiuto. Ognuno a suo modo nel lavoro è tenuto in pugno da qualcun’altra.
Ma non finisce qui perché tra i tanti, forse troppi, messaggi che l’autore vuole comunicare l’epilogo è quello più scontato e tradizionale: seguire i propri sogni. Così il pianoforte, prima nascosto dietro al cartone più grande, torna ad essere il vero protagonista. Il fratello più piccolo ama suonare il pianoforte, ma, alla ricerca del posto fisso, della sicurezza economica, ha lasciato gli studi al conservatorio per entrare nel crudele mondo del lavoro dove contano i risultati e non le passioni. Alla fine però dal pubblico si alza il terzo “vero” “finto” fratello che suona dal vivo il pianoforte concludendo l’opera.
Ci sono molti elementi in questa opera, molta carne al fuoco, sembra mancare però un legame omogeneo o meglio un legante. Nonostante questo è un’opera bella ed innovativa, dove la voglia di stupire, ingannare, fuorviare lo spettatore è quasi più interessante del messaggio stesso. In questa stagione mi sto scoprendo amante del teatro contemporaneo più che di quello classico.

Shakespeare è Shakespeare e su questo non c’è molto da dire. Un’opera di oltre 400 anni che fa riflettere su quanto alcune cose siano veramente poco cambiate. Credo che i comportamenti umani abbiano tempi di evoluzione molto più lunghi di quelli legati alla scienza e alla tecnologia. Sono tempi più darwiniani. Il Mercante di Venezia fa riflettere su molti aspetti che si ritrovano nella quotidianità ordierna.

Le due ore di spettacolo (+ pausa) scorrono molto velocemente, grazie ad una regia e una sceneggiatura agili e scattanti.

Il vero protagonista è Shylock interpretato da un intenso e classico Franco Branciaroli che si pone a leghe di distanza da tutti gli altri interpreti. Un attore che sa di essere bravo, lo dimostra e lo sottolinea pure. Si capisce che ha il teatro dentro e considerata la carriera si può tranquillamente dire che il teatro è lui. Il gap prestazionale si nota e si sente, un vero maestro.

La figura di Shylock è chiaramente dominante ed è quella che dalle sue battute fa più riflettere. A tratti suscita empatia a tratti repelle. Ma credo che questo dualismo sia implicito nell’opera di Shakespeare.

Bellissima la scenografia con un uso veramente creativo delle luci. Da fotografo amo tantissimo quando vedo opere come questa in cui ogni scena è accuratamente fatta vibrare da un attento posizionamento dell’illuminazione. Ogni scena è come un dipinto.

Nota dolente invece per l’audio. Spesso mi chiedo come mai a teatro venga usato poco l’impianto di amplificazione. Ecco, adesso lo ho capito. In questa opera ogni attore ha il suo microfono e sì si sente molto bene ma purtroppo viene a mancare completamente l’effetto spaziale della voce. L’audio proviene sempre dalla stessa parte, tra il resto un po’ troppo sbilanciato sulla parte sinistra. A momenti, quando parlavano in tanti, non si capiva chi diceva cosa proprio perché mancava la direzionalità. Senza amplificazione si percepisce infatti la provenienza del suono e questo da più realismo teatrale. Con l’amplificazione si ha un effetto quasi televisivo e il teatro perde un po’ di forza realistica. Ovviamente questo è un mero dettaglio che poco toglie al valore della rappresentazione, solo una considerazione personale.

Molto della storia è raccontato nei primi 5 minuti di spettacolo.
“Viviamo in mezzo a dei fantasmi” è la frase che racchiude tutto la tragedia legata alla storia una ragazza indiana senza nome che non ha nulla da perdere (così da essere invincibile, afferma lei).
Si capisce subito chi la ha uccisa e il perché ma l’aspetto noir, pur riservando una sorpresa finale, è poco importante in questa storia che è tratta da un radiodramma della scrittrice Valeria Mazzucco.
C’è lo sterotipo dell’imprenditore di mezza età imbruttito (per non dire schifoso e viscido), quello della ragazza che cerca di emanciparsi dalla propria misera realtà e da un non-futuro seguendo il miraggio del benessere occidentale usando l’unica cosa che può offrire e c’è la moglie che forse è l’unico personaggio che non si riesce a inquadrare e che non forse è stato dipinto così bene come gli altri due.
Durante tutto lo spettacolo è una lotta continua per capire da che parte stare. Quale è la vera vittima? A pelle si potrebbe dire la ragazza indiana, l’anello ovviamente più debole, ma non sempre traspare questa volontà. L’uomo è ritratto sulla base delle sue debolezze che la ragazza sa cogliere molto bene. Il sesso è come il cibo per un animale predatore affamato, quasi un istinto non controllabile che a tratti l’uomo cerca di allontanare da sé. Le allusioni sessuali sono tutto tranne che tali. Il sesso perde la sua intimità e diventa pura merce. Se c’è poca allusione nelle scene erotiche la nudità viene invece mimata quasi a rafforzare la brutalità delle scene corporee (personalmente sconsiglio ad un pubblico non adulto).
In molti momenti il fastidio prevale sul fatto di trovarsi a teatro. Vuoi per i fatti di cronaca, vuoi perché certe storie sono narrate anche in molti film o telefilm, vedere dal vivo la brutalità di certi comportamenti risulta davvero intollerante. Se l’obiettivo era turbare direi che il regista/attore Valerio Binasco c’è riuscito in pieno.
Ma mi piacerebbe ascoltare il radiodramma originale per capire meglio molti punti di questo spettacolo.
È uno scontro di civiltà, un ennesimo quadro di un mondo mal equilibrato che peggiora sempre di più, un ritratto della pochezza e un inno ad un amore malato e finto. Ma anche una storia di vendetta che però finisce male. Un femminicidio come i tanti che sentiamo ogni giorno e che vanno oltre la mia comprensione ma che non bisogna mai finire di condannare e soprattutto di abituarcisi.
Se forse l’autore voleva farmi schierare con chi stare la scelta è comunque scontata, togliere una vita non è mai giustificabile, può esserlo magari per una figura malata come la moglie ma è un segno di un male con cui si convive nella società attuale.
Sono uscito con un grande sconforto e con la certezza che quando si uccide la speranza muore anche l’uomo. Se non hai sogni e aspettative è pur vero che nessuno può distruggertele ma poi che vita è?
Non basta condannare la violenza sulle donne, bisogna agire sui comportamenti, sull’educazione, sulla mentalità e sull’equilibrio sennò staremo sempre qui a parlarci addosso e le donne continueranno a morire o essere trattate come oggetti.

Alzi la mano chi in gioventù non ha mai giocato con la magia, chi non ha mai simulato una seduta spiritica, chi non è mai andato in luoghi considerati stregati. Per i bolzanini mi viene in mente la famosa via Virus sulla quale qualche hanno fa mi sono pure inventato una leggenda. In adolescenza si fanno cose stupide, è scritto nel DNA umano. Certo che se quelle cose stupide vengono fraintese possono esserci dei guai. Se poi ci troviamo nel 1692 a Salem e le cose stupide riguardano le streghe beh allora le cose si complicano. Le streghe sono dei personaggi strani. Siamo abituati a raffigurarle come brutte e vecchie ma in realtà (si fa per dire) la strega è giovane, provocante e attira gli uomini come il miele per l’orso. Diciamo che le streghe e la stregoneria sono spesso una metafora di tutto ciò che è tabu come per esempio la sessualità. Arthur Miller parte proprio da qui ovvero da un rapporto amoroso tra una giovane serva e un fattore sposato. Cacciata dalla moglie ma ancora attratta dall’uomo finirà per vendicarsi in malo modo per non essere corrisposta. Le streghe hanno sempre innescato fenomeni di isteria di massa, superstizione e relativa condanna e persecuzione delle stesse soprattutto da parte della chiesa. Considerando che Miller ha scritto il libro nel periodo del maccartismo ovvero la “caccia al comunista” è chiarissimo il parallelismo tra opera narrata e realtà dei tempi.

Miller racconta di come la paura collettiva si trasforma in paranoia e persecuzione. Giustizia sommaria forzata. Confessioni forzate in cambio della vita. La caccia alle streghe come la caccia ai comunisti. Fino a tre anni fa questi due temi potevano sembrare così lontani ma la pandemia e la guerra li hanno portati di nuovo in auge. Il virus come la stregoneria. In molti momenti dello spettacolo sembrava di rivivere quelle notizie confuse e distorte che hanno caratterizzato tutto il periodo pandemico portando ai fenomeni no-vax, terrapiattisti e compagnia bella. I momenti del processo di Miller mi sono sembrati uno di quei dibattiti sui social dove quando una persona vuol credere in una cosa lo fa a dispetto dell’evidenza dei fatti.

Che dire della Russia? In questi ultimi mesi stiamo odiando tutti la Russia. Tornerà il maccartismo? Politicamente è già così.

Curioso come venga definito il maccartismo su Wikipedia:

Il termine ha acquisito una connotazione di falsa accusa, d’isteria di massa e di attacco governativo alle minoranze politiche.

Quanta attualità c’è in tutto ciò lo abbiamo visto anche nell’ultima campagna elettorale.

Uno spettacolo profondo e terribilimente nonché spaventosamente attuale. Non dà un attimo di tregua nei suoi 170 minuti di durata che volano leggeri su argomenti pesanti.

[SPOILER]

Il finale di Miller e la confessione non-confessione eroica di Proctor lascia con la convinzione che la propria umanità non si possa vendere per nessun motivo al mondo.

Emozione a mille nel tocco di modernità e di attualità che viene dato dagli attori che intonano Russians di Sting.

In Europe and America there’s a growing feeling of hysteria
Conditioned to respond to all the threats
In the rhetorical speeches of the Soviets
Mister Krushchev said, “We will bury you”
I don’t subscribe to this point of view
It’d be such an ignorant thing to do
If the Russians love their children too.

Per quanto si possa essere portati a pensare il teatro non è sempre “leggero” e PPP. Profeta Corsaro non lo è affatto. Dopo due anni ci voleva però una “sveglia” così a ricordare che il teatro è anche e soprattutto una comburente per la mente. Ci ho messo una settimana a “digerirlo” o meglio a cercare di capirlo. Ammetto che non conoscevo Pasolini se non per la sua fama.

Sentire certe parole, certe frasi dette 50 anni fa e oggi così attuali come il ritratto del processo di decadimento della società lascia un acido amaro in bocca.

Perché ci stiamo trasformando proprio in ciò che il “Profeta” ha profetizzato.

“I beni superflui rendono superflua la vita”.

Durante lo spattacolo si ascoltano le parole di Pasolini attraverso una attrice e 4 attori che sembrano incarnare le varie anime del poeta.

È un fiume di parole impetuoso, una serie di pensieri così concentrati che per capirli appieno bisognerebbe ascoltarli più e più volte.

Ad accompagnare i dialoghi e a offrire qualche minuto di respiro in questa sorta di apnea di dialoghi è l’orchestra dal vivo Haydn che sullo sfondo regala dei pezzi classici.

Sono uscito confuso e affascinato da Pasolini. Chissà cosa direbbe oggi dei social e di come si sta trasformando la società dei consumi.

A volte, proprio nei social, vedo un mondo che non capisco né riconosco più neanche io. Non credo sia solo una questione di età.

“Il potere è divenuto un potere consumistico, infinitamente più efficace nell’imporre la propria volontà che qualsiasi altro potere al mondo. La persuasione a seguire una concezione edonistica della vita ridicolizza ogni precedente sforzo autoritario di persuasione.”

La storia in sé è superata. Siamo nel 1949. Il commesso viaggiatore è una professione più o meno estinta per come la si faceva una volta. Il sogno americano non c’è più. Il mondo è totalmente cambiato da allora, in particolare il mondo del lavoro.

Eppure c’è qualcosa che rende questa opera maledettamente attuale. Il desiderio di un padre di vedere il successo dei propri figli. I figli debosciati incapaci di costruirsi una vita autonoma. L’immagine della donna come mero accessorio della vita famigliare oppure relegata al solo ruolo di oggetto sessuale. L’incapacità di affrontare i fallimenti. L’importanza dell’apparire piuttosto che essere. Quello che però traspare in modo più drammatico è il paradosso vita lavoro.

Vivere per lavorare o lavorare per vivere?

Domanda che oggi è sempre più attuale. Siamo tutti vittime di una frenesia verso il raggiungimento di un benessere economico piuttosto che di un benessere dell’anima.

Ma non solo, più che piacere a noi stessi cerchiamo di piacere agli altri, le apparenze appunto.

In fondo in 70 anni possono cambiare gli scenari ma non la natura umana. Per questo il lavoro di Miller è attuale. Più che mai è un ritratto dell’uomo nella società post bellica. Ritratto che ancora oggi è in via di definizione.

Sono numerosi le riflessioni personali che vengono innescate dall’opera di Miller e solo per questo vale la pena di vedere questo spettacolo teatrale.

Il regista Leo Muscato riesce abilmente a rendere leggere le quasi tre ore di spettacolo. All’inizio ci vuole un po’ a capire la tecnica dei flashback. La sceneggiatura dinamica, fatta di pareti semi virtuali e mobili, le luci modulate in maniera eccellente, rendono quasi magico il gioco dei tuffi nel passato. Passato e presente si fondono con dissolvenze visive giocate con sagace maestria.

Poi ci sono gli attori, Alessandro Haber Willy Loman e Alvia Reale la fanno da padroni e i due figli Biff e Happy interpretati da Michele Venitucci e Alberto Onofrietti non sono da meno. A loro il difficile compito di passare da adolescente spensierato ad adulto fallito nel battito di un cambio luci. Lo spettacolo anche solo da un punto di vista tecnico merita un dieci e lode. Potrebbe essere una lezione su come effettuare dei flashback come se fossero dei piani sequenza cinematografici.

Rimane comunque una storia triste, che si sviluppa e finisce male. C’è un po’ di Willy Loman in tutti noi e se si prova una sorta di fastidio nei suoi confronti forse è proprio perché ci si identifica spesso nei suoi atteggiamenti. La figura del fratello morto che appare spesso è un richiamo a tutte quelle “sliding doors” in cui ci troviamo spesso nel corso della vita. Ma è anche un monito a smettere di guardare indietro e rimpiangere il famoso latte versato.

Concludo con una nota curiosa. Lo spettacolo è andato in scena (lo è ancora per chi legge tra il 27 febbraio e il 1 marzo 2020) in pieno caos Coronavirus. Teatro pieno (o vuoto) a metà. Rimarrà negli annali la campagna del teatro Stabile di Bolzano “last virus“ con biglietto offerto a 1 euro. Forse per rimarcare che dato che l’ingoranza, essendo gratuita, si diffonde viralmente, magari anche un po’ di cultura “scontata” può essere d’aiuto.

Già questo basterebbe per passare 3 ore di puro divertimento e risate a crepapelle. Ridere fa bene, abbiamo bisogno ogni tanto di ridere con leggerezza e spensieratezza.

Ma questo spettacolo fa ridere con maestria ed intelligenza. I ritmi comici e narrativi sono stupefacenti. Lo spettacolo è un crescendo di comicità.

La storia è molto semplice. Come già visto nello spettacolo Elvira è la storia di una compagnia teatrale che mette in scena una commedia “Nothing on” Niente addosso. Il primo atto ci vede immersi nella preparazione della prima. Il regista è in mezzo al pubblico e la compagnia appare piuttosto malmessa e terribilmente in ritardo. Si delineano da subito le personalità dei vari interpreti/attori senza però ancora far trasparire troppo delle loro vicissitudini. La prima mezz’ora scorre leggera con qualche tocco di comicità. Piano piano però il livello di comicità si alza e raggiunge dei picchi molto elevati. Il British humor si fonde con il grottesco, con elementi fantozziani, con classiche gag viste e riviste ma che qui diventano vera arte del far ridere.

Quello che poi meraviglia è l’incredibile macchina narrativa con tempi che si incastrano alla perfezione come un congegno di un orologio. Un plauso enorme va agli attori capaci di reggere una storia complessa con una naturalezza che ha dell’incredibile.

Da subito si capisce che stiamo guardando solo un “lato della storia”. Ben 8 porte, una finestra e una scala rappresentano il separè viruale tra il mondo della messa in scena e il dietro alle quinte.

Il secondo atto vede infatti un capovolgimento della bellissima scenografia. Adesso ci troviamo dietro le quinte e viviamo quello che accade oltre le finte porte dell’ambientazione teatrale. Le gag e la comicità qui è al top, ma non solo. Si cominciano a delineare anche i risvolti delle trame amorose e sentimentali tra i vari personaggi della storia che nel primo atto si intuivano solo in parte. Dispetti, fraintendimenti, equivoci, il tutto all’insegna dello “the show must go on”.

Il ritmo è pazzesco e ripeto ancora il plauso ai bravissimi attori capaci di muoversi con incredibile maestria in un gioco di scatole cinesi che nel secondo atto diventa davvero complesso. Io stesso facevo fatica a seguire le varie parti dell’azione. Per aggiungere benzina sul fuoco mentre noi guardiamo il dietro le quinte, attraverso la finestra si intravede lo spettacolo che va avanti nel retro (che però è il davanti) rendendo questo secondo atto un vero capolavoro.

Terzo e ultimo atto. Se nel primo atto abbiamo visto la storia e nel secondo gustato quello che accade dietro le quinte con i vari problemi dei personaggi, nel terzo atto va in scena l’apoteosi del delirio.

Ci troviamo di nuovo dal lato del pubblico e la compagnia è ormai allo sbando. Dopo mesi di repliche i problemi di convivenza sentimentale dei personaggi sono esplosi e non vi è più modo di salvare il salvabile. Il vecchio adagio “the show must go on” non regge più. Si ride e ancora si ride ma questa volta è un riso amaro che ancora una volta fa riflettere sul ruolo dell’attore nella sua doppia veste.

In conclusione grande teatro, bravissimi tutti gli attori.

E poi ci sono loro, le sardine, no non quelle di oggi, delle vere sardine (di scena) che ci accompagnano grottescamente lungo tutto lo spettacolo.

Era davvero tanto tempo che non mi divertivo così tanto. Mi sono tuttavia meravigliato di aver letto delle recensioni ufficiali non troppo entusiastiche e di aver visto numerose persone lasciare la sala dopo il primo atto.

Forse la presenza delle sardine ha confuso alcuni spettatori facendo credere che fosse uno spettacolo politico?

Se non fosse anche solo per ridere a crepapelle, c’è molto dietro questa storia, basta saper guardare anche oltre il velo di ironia e no, le “sardine” quelle politiche, qui non c’entrano nulla.

Ma soprattutto è un emozionante pezzo che racconta della magia del teatro, della magia della recitazione e soprattutto della difficoltà dell’attore nell’interpretare la propria parte.

Ma vediamo prima la storia.

Siamo nel 1940 in Francia. Il maestro/attore Luis Jouvet tiene delle lezioni ad una sua allieva Claudia su come interpretare la parte di Elvira in una scena del Don Giovanni di Molière (atto IV scena 6).

Fatti accaduti realmente e nel 1986 Brigitte Jaques-Wajeman ne trasse l’opera teatrale Elvire Jouvet 40 basandosi sulle trascrizioni delle lezioni fatte fare dal maestro Jouvet durante le proprie lezioni.

Quello di Toni Servillo è un testo basato proprio su quest’opera.

La scena è scarna perché ci troviamo in un teatro ed assistiamo a delle prove. La prima fila di poltrone fa parte di questa scena che si stacca dalla classica ambientazione teatrale. 4 attori, una voce fuori campo separa le 7 lezioni che si svolgono in un arco temporale che va da febbraio a settembre 1940 periodo in cui inizia l’occupazione nazista in Francia.

Pertanto abbiamo attori che recitano la parte di attori che recitano una parte, ecco le scatole cinesi.

Toni Servillo interpreta il maestro Jouvet che impartisce lezioni a Claudia, interpretata da Petra Valentini, che interpreta Elvira.

Il testo recitato da Servillo è magistrale. Ogni sua frase meriterebbe essere citata e usata in un ipotetico manuale del bravo attore e forse non solo.

Servillo interpreta la parte con una naturalezza esemplare.

Vi dico una cosa essenziale. Ogni volta che avete la sensazione che una cosa venga facile, parlo di una cosa ottenuta senza sforzo, questo non è bene. L’esecuzione di una parte, quale che sia, comporta sempre qualcosa di difficile, di doloroso.

In Petra Valentini si sente l’enorme difficoltà nel ripetere di continuo la stessa parte, ovvero l’Elvira di Molière, con un crescendo di abilità grazie al paziente lavoro di Jouvet. Non oso neppure immaginare quanto debba essere difficile questo suo duplice e mutevole ruolo. L’allieva che lentamente evolve, si sente il tono di voce cambiare, il pathos dell’interpretazione farsi sempre più intenso, i movimenti stessi che maturano velocemente per noi, ma che durano mesi nella realtà.

In questo spettacolo ci viene narrato della difficoltà dell’attore di estraniarsi (Claudia è un ebrea in periodo di occupazione nazista) dalle proprie emozioni e interpretare una parte con una emozionalità del personaggio totalmente diversa dalla propria.

Secondo me uno spettacolo che andrebbe fatto vedere come primo spettacolo a chiunque si avvicini al mondo del teatro sia come spettatore che come attore.

Spesso non si pensa a quanto sia difficile il mestiere di interpretare una parte. Per farlo bene è necessario saper gestire le proprie emozioni e farlo quando queste sono già sconvolte per altri motivi (la guerra) è ancora più difficile.

La tecnica che non viene dal sentimento crea banalità.

In conclusione un opera che mi è piaciuta moltissimo, vuoi anche perché io adoro il ruolo dell’attore, l’immedesimarsi, la mimica e soprattutto l’uso della voce per esprimere emozioni, sentimenti. I tanti anni passati alla radio come speaker radiofonico mi hanno insegnato che usando anche solo la voce si può essere chiunque, cambiare personalità essere diversi da ciò che si è.

Elvira comunque va oltre e questo mi ha affascinato. Ancora una volta non posso che confermare che queste nuove stagioni del Teatro Stabile di Bolzano di Walter Zambaldi offrono dei pezzi unici e rari da assaporare lentamente. E’ la prima volta che penso che mi piacerebbe rivedere lo spattacolo e magari armato di taccuino per poter annotare i bellissimi testi di Servillo/Jouvet.